本文共5232字
編按:本文節錄自《MUZIK古典樂刊》No.149
音樂會,就是演奏家直接面對觀眾的現場音樂演出。在錄音技術尚未成形的時代,人們不像現在能隨時收聽音樂,想聽音樂的話,往往就是兩種選擇:一、自己演奏給自己聽,二、請別人演奏給自己聽。而在當時,請歌唱家、器樂演奏家或樂團為自己演奏,往往是皇宮貴族才能擁有的享受。
目前為止,最早被公認的「正式」收費系列音樂會大約出現在17世紀晚期,由一位英國小提琴家約翰.班尼斯特(John Banister)所發明,並且使用「concert」一詞來代表這種任何人能夠買票入場的公開現場音樂演出。班尼斯特原本是一位宮廷音樂家,在失寵於英皇查理二世後,他在1672年12月30日的《倫敦憲報》(London Gazatte)上刊出以下廣告:
「在此敬請通知,在倫敦White Friars喬治酒館對面的約翰.班尼斯特先生家(現為音樂學校)中,將在接下來的這周一,有傑出的大師帶來一場精采的音樂演出。演出將於下午4點準時開始。並且自此之後,每日下午的同一時間,都將準時開始高水準的音樂演出。」
諾斯先生在《音樂回憶錄》(Memoirs of Music)中,對班尼斯特的音樂會給予了一段論述:「班尼斯特在White Friars買了一個大房間,為音樂家架起了升高的箱子或走廊,以及布簾,其他地方佈置了座位及小桌子,像個啤酒屋的風格。
入場費為每人1先令,讓觀眾們有權要求他們希望演奏的音樂。演出真的非常棒,班尼斯特有能力在倫敦網羅到最好的演奏家,以及可以幫助他發聲的管道。」根據那段時期《倫敦憲報》的記載,這樣的音樂會演出直到班尼斯特去世後仍維持了一小段時間。
後來,音樂會逐漸在特定場館舉行,並隨著中產階級的興起與壯大更加興盛。直到18世紀晚期,海頓與莫札特的音樂作品開始經常在音樂會中發表,成為當個時代的音樂樣貌集合地。
什麼是音樂會?在音樂會中聽什麼?
現行的純音樂會常見演出形式,有四種類型:
1.獨奏會:由一位獨奏家演奏(或一位獨唱家,則稱為獨唱會),通常輔以鋼琴重奏或伴奏演出。
2.室內樂:相對於大型交響樂團來說,可以在一個皇宮隔間或大房間內演出的小型演出樂團。通常是兩人以上的合奏,一個聲部由一位演奏家負責。最常見的有弦樂四重奏、鋼琴三重奏、鋼琴五重奏等編制。
3.管弦樂團:為最龐大、最複雜的音樂演出,由70位至上百位演奏家組成,一般稱為交響樂團(Symphony)或愛樂樂團(Philharmonic Orchestra)。
4.合唱:由人聲集體演唱多聲部聲樂作品的演出,根據聲區一般分為四種聲部:女高音、女中低音、男高音、男中低音。常設有指揮,並依照作品要求配以器樂伴奏。常見的有混聲四部合唱團、重唱團與阿卡貝拉等。
WHERE|哪裡可以聽音樂會?
能欣賞音樂會的地方小至私人家中所準備的音樂沙龍,大至各式音樂廳場館、露天公園、圓形劇場或大型體育館等。若適逢暑假的音樂節期間,各式的音樂會或許就在街頭的某個轉角處。
2007年,柏林的一間夜店以休息室般的放鬆氣氛,開啟了「Yellow Lounge」的概念,將古典音樂與都會夜生活結合,讓聽眾以最舒服的姿勢欣賞國際音樂名家的演出,大受雅痞歡迎。現在演出場地延伸至巴黎、倫敦、紐約、雪梨等世界各地俱樂部,也為當代年輕古典音樂迷們最具話題性的新興聆樂場所。
不過,若想原汁原味地開啟一場經典的音樂會體驗,建議還是可以從音樂廳開始。國際上音樂廳指標性的兩種設計,有傳承歐洲數百年經典的長方形鞋盒式音樂廳,如維也納愛樂金色大廳(Vienna Musikverein)、荷蘭阿姆斯特丹音樂廳(Amsterdam Concertgebouw)及柏林音樂廳(Berlin Konzerthaus)及台北國家音樂廳;也有20世紀當代葡萄園式音樂廳,觀眾席如葡萄園般圍繞舞台,如柏林愛樂音樂廳(Berlin Philharmonie)、赫爾辛基音樂廳(Helsinki Music Centre)、科隆愛樂音樂廳(Cologne Philharmonie)及高雄衛武營國家文化藝術中心音樂廳。
哪裡可以買到票?想買當日票的人,可以直接殺到音樂廳票口碰碰運氣,不過大多數非常搶手的演出是不會有當日票的。保險起見,建議還是先到各大廳院或樂團的官網查詢演出資訊,利用線上售票系統購買,並保留購買憑證。
在臺灣,主要的古典音樂會售票系統有兩廳院售票系統、年代售票等。
WHO|台上黑壓壓的這麼多人,到底誰是誰呢?
在音樂會初心者的眼中,排場最大的莫屬令人眼花撩亂的大陣仗管弦樂團。舞台上排滿70人以上,坐得這麼密集,大家不會被旁邊的人戳到或打到嗎?
首先,音樂家們可不是隨便亂坐的。完整的管弦樂團包含四個聲部:弦樂、木管、銅管及打擊,同類的樂器家族坐在一起。再來,按照各聲部樂器的聲學特性及聲學效果(如:銅管與打擊樂器比起弦樂和木管樂器,具有更高的穿透力,能夠將聲音投射地更遠,因此弦樂和木管被置放於銅管樂器的前方),慢慢實驗聲響效果、並調整佈局。
現行的管弦樂團規模大約在17世紀後,由義大利出身、法國發光的法國巴洛克音樂大師盧利(Jean-Baptiste Lully,1632~1687年)所主導的路易十四宮廷樂團開始雛形。
到了18世紀,交響曲之父海頓組織了自己的40人管弦樂團,將第一小提琴與第二小提琴相對而坐,讓他們對唱(antiphony)的旋律可以從舞台兩側被聽見——這種作曲家們為兩個提琴聲部寫作交換答唱旋律的對話式寫作風格,稱為「18世紀立體聲效果」(18th-century stereo effect,我們可以從貝多芬的第七交響曲中,明顯地看出他對於兩側小提琴交換旋律的想像)。19世紀前,儘管管弦樂團中其它聲部的座位仍有諸多改動,但弦樂聲部都仍維持這樣的座位安排,直到「指揮」這個新角色的出現。
費城交響樂團的音樂總監史托考夫斯基(Leopold Stokowski)最著名的貢獻之一,就是他對於管弦樂團座位的實驗:他用所有能想到的方式排列管弦樂團的坐法。據說,有一次他將木管及銅管擺在弦樂的前面,此舉令費城的音樂家們一陣譁然。
不過直到在1920年代,他做了一個改變,至此停住了往後的實驗——他將一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴,至左而右,自高而低,依扇形狀排列,並解釋道:「將小提琴們放在一起能幫助兩聲部間有更好的彼此傾聽。」這個「坐法」被稱為「史托考夫斯基移位」(Stokowski Shift),後來風行全美。也因為BBC逍遙音樂節創辦人亨利.伍德(Henry Wood)的響應,英國樂團也全面採用。儘管這麼「坐」,犧牲了兩聲部小提琴對唱的立體聲效果。
但也有越來越多作曲家開始為這樣的座位設置發揮創作,像是蕭斯塔科維契在第五號交響曲中,將第一及第二小提琴分為3個聲部,使得小提琴們必須坐在同一個區域才能起得了作用。
直至今日,管弦樂團的座位依然保有其彈性,有些指揮仍會依照作品展現的需求、或樂團的傳統及演出型態,在座位配置上伴隨調整,讓聽眾們能擁有截然不同的聽覺饗宴。以下就為您介紹這麼一大群音樂家們是誰?在台上做什麼吧!
指揮:管弦樂團的靈魂人物。拿著指揮棒(或不拿指揮棒)以全身上下的肢體語言給予全樂團關鍵的音樂指示(包含音樂的發展、樂器的進場時間,及速度、音量與節奏的變化),是唯一演出時從頭到尾背對聽眾的「無聲」演出者。
樂團首席:樂團代表,通常由第一小提琴首席擔任。首席的責任除了統一演奏弓法、音色及換氣方式之外,最重要的任務之一,就是幫助指揮提示樂團。其它聲部也都設有首席,是該聲部中能力最好的演奏家,通常都坐在聲部中離指揮最近的位子。首席可以迅速用琴聲回應指揮細微的指示,並肩負著帶領所屬聲部呈現與樂團融合的聲音之任務。
弦樂聲部:佔據整個樂團約60%以上的人數。有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴(站著、或輔以高腳椅演奏),共5個聲部。若樂曲編制中有豎琴或鋼琴,也會將他們安排在第一小提琴後方的位置。
木管聲部:主要有長笛、單簧管、雙簧管、低音管等具有高度旋律表現力的樂器,約佔整個樂團15%的人數。有時候長笛會兼任短笛聲部,雙簧管會兼任英國管,低音管兼任倍低音管的演奏。通常可用長笛演奏家之人數來判斷樂團的規模:小型樂團(一管編制)、中型樂團(二管編制)、大型樂團(三管編制),但也並非絕對,作曲家仍可依照自己的需要,自由調整樂團的編制需求。
銅管聲部:小號、長號、法國號、低音號等聲音響亮,演出效果十足之樂器,約佔整個樂團15%的人數。有時候一個低音號樂手可能等了100多個小節都不一定會吹1個音,但台上這些專業的銅管樂手卻是時刻精準地在算著小節數,對音樂的行進保持警覺,醞釀下一段吹奏的情緒,非常不容易。
打擊聲部:所有以敲打、搖、刮、擦等方式產生效果的樂器族群,多數時候只佔整個樂團不到10%的人數。除了正對指揮家的定音鼓席,通常由固定一位音樂家負責演奏,其他有音高樂器如木琴、馬林巴琴、鐵琴、鋼片琴、鐘琴,及無音高節奏樂器如小鼓、大鼓、鈸、響板、三角鐵等則視曲目需要安排樂手數量。
WHEN|什麼時候有音樂會呢?
基本上,音樂會多舉辦於晚間(7:30開始),或是假日下午(俗稱的matinee,日場或午後場)。一些特殊節慶,如維也納愛樂的新年音樂會,就會舉辦在1月1日的早上11:15。另外,在音樂會密集的音樂節期間,則幾乎能在每天的不限時段欣賞音樂會的演出。
一場音樂會都多久呢?
標準的管弦樂團音樂會通常分為上、下半場,以10分鐘的序曲(或其他較短的作品)開場,接續迎來與客席獨奏家合作的協奏曲,約20~30分鐘。中場休息20分鐘後,下半場通常是一首完整的交響曲作品,持續約40~60分鐘。總共約為2小時左右。
但音樂會的長度取決於音樂會的節目內容、每首作品的時長及指揮者的「興奮程度」等可能會有所不同。基本上,音樂會是沒有精準的「時間限制」的,近年來也有好些獨奏會搬來重量級的全本曲目,觀眾們可以先上網查詢音樂會頁面備註、致電主辦單位或搜尋演出作品的專輯、影片長度來計算大約的演出時間。不過,多數音樂廳都會在大廳公告當晚演出的預計時間唷!
WHY|為什麼要去聽一場現場音樂會呢?我們為什麼還在聽音樂會現場呢?
在收聽音樂這麼方便的時代,大費周章地買票前往音樂廳看現場很奇怪嗎?相信各位不論是否曾經親臨球賽現場,一定能夠立刻分辨電視重播賽事與現場觀賽的差別。音樂同理。因為,現場總是充滿著驚喜,充滿各種不確定性所能引發的各種「可能」。
在舞台上的頂尖音樂家們絕對不只是流於形式地反覆演奏這些經典的曲目,每一次的演奏根據現場聽眾的氛圍、不同音樂廳的殘響、當晚的濕度,甚至音樂家所正經歷的人生階段等,皆會有不同的演奏結果。除此之外,在音樂會當下,每位聽眾都聚集在同個空間中,一起聚精會神地聆聽,共同「感受」同一份音樂,一起經歷著只會發生在當下這麼一瞬間的獨特創造,這是一件多麼可貴的事。
不僅如此,即使錄音技術已日漸純熟,有些音樂家的音色、頻率及大編制作品的魅力,就是無法透過錄音技術捕捉並重現。更別說,有些難得的作品甚至沒有錄音留下。有時候,我們甚至是親臨現場,才真正認識一部作品、聽出作曲家想要表達的意念。
HOW|如何聽音樂會?
許多人對於看一場球賽並不會心生畏懼,擔心「看不懂」,但要踏入音樂廳欣賞演出,就會不自覺產生無形的「門檻」,想尋求所謂的「入門款」。
筆者猜測,或許有部分原因是源於球賽有現場播報員,隨時「翻譯」場上的狀況,讓什麼都不懂的觀眾能馬上進入球賽的「現場演出」。但因為音樂是門「聽覺」的藝術,並不可能在現場演出同時「講話」,向聽眾「解釋」現在演奏家所吹奏的樂段是多麼的困難、演奏地多麼出色等,這絕對會被視為干擾!
不過,在被這些疑慮困擾之前,請先放心。因為多數古典音樂,都是在錄音技術問世之前就創作的。當時的作曲家們知道,聽眾可能只有一次機會聽到他們的作品。
因此,優秀的古典音樂都是被設計為:在第一次聽到的時候,就能被理解與欣賞的;作曲家也輔以各樣高超的寫作手法,無形中幫助聽眾們在第一次聽音樂會時,就能夠樂在其中。
換個角度想,在音樂演奏的當中,正因為沒有人告訴你「應該」怎麼去理解音樂、沒有人跟你說「情況是什麼」、沒有人形塑你的感覺,也正是音樂如此迷人的原因。因為你可以自在地、大膽地、真實地感受自己浸淫在音樂中所有被激發出的靈感,以及在音樂中所接收到的、所有無形的感受。
音樂會前的導聆工作,就類似一位「預告版」的球賽播報員,為您接下來可能會經過的賽程做一些路標式的指引,不過決定該怎麼理解的,仍舊是聽眾本身。接下來的篇幅將提供您許多「工具」,讓您能更加容易去捕捉到音樂進行中的各樣時刻。不過最重要的,是記得:沒有所謂的一個「正確」的聆聽方式,或是「正確」的聆聽感受。實際上,您只需要用心「聽」而已。
※本文由《MUZIK閱聽古典樂》授權刊載,未經同意禁止轉載。
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